Золотой век русского искусства, запечатлённый на бумаге
В Художественной галерее Смоленского государственного музея-заповедника открылась выставка графики «От Шишкина до Кандинского». Работы, представленные в экспозиции, без преувеличения составляют часть золотого фонда музея. Это произведения Айвазовского, Кипренского, Репина, Шишкина, Поленова, Серова и других выдающихся мастеров русского искусства. Многие из них десятилетиями не покидали хранилища, а в таком соседстве вообще экспонируются впервые. В общем, проект замечательный и, несомненно, достойный внимания даже самых тонких ценителей искусства. Я лично удовольствие получила, а в качестве приятного бонуса – ещё и комментарии заведующей Художественной галереей Дарьи Ивановой.
Лучшее из фондов
– Эта выставка посвящена столетнему юбилею галереи, который отмечается в 2020 году, – говорит Дарья Иванова. – Дата важная, и мы хотели отметить её максимально широко, но пришлось корректировать планы с учётом эпидемиологической ситуации. И открытие выставки «От Шишкина до Кандинского» – главное событие нашего юбилейного года. Здесь мы показываем лучшее, что есть в наших фондах в коллекции отечественной графики.
Замечу, что коллекция графики, хранящаяся в фондах Смоленского музея-заповедника, – это тысячи листов художников разных школ и стран. Однако выставлять их для всеобщего обзора довольно затруднительно: произведения на бумаге очень хрупкие и чувствительные к свету. Поэтому каждая их демонстрация – уже событие, а уж когда в одной экспозиции собрано столько удивительных работ самых известных мастеров – событие поистине грандиозное.
В экспозиции выставки «От Шишкина до Кандинского» представлено 40 работ 27 авторов. Все художники – непревзойдённые мастера, достигшие в своих произведениях ювелирной тонкости. Хотя стоит отметить, что имена некоторых из них были незаслуженно смещены с пьедестала лучших в отечественном искусстве.
– В этих работах – целый век русского искусства, от понятного всем реализма до смелых экспериментов авангардистов. Хронологически это от 1810-х годов в произведениях Кипренского и Орловского до 1910-х в опытах Кандинского и Родченко. Это столетие русского графического искусства, представленное самыми яркими именами: Шишкин, Айвазовский, Репин, Серов, Поленов… Впрочем, среди них есть авторы, чья известность у широкой публики не столь очевидна, хотя они тоже занимают важное место в развитии отечественного искусства: Крыжицкий, Горбатов, Шарлемань…
Тенишева и компания
Перейдём непосредственно к экспозиции. Открывает её рисунок Марии Клавдиевны Тенишевой.
– Мы знаем княгиню Тенишеву как мастера выемчатых эмалей, а вот её графических работ практически никто не видел. Здесь мы показываем одну из них, выполненную в интересной технике итальянского карандаша. На рисунке изображена её мастерская в Санкт-Петербурге на Галерной, которую Мария Клавдиевна открыла на свои деньги для талантливых детей. «Рисовальная студия Тенишевой» – так она называлась.
Интересный факт: по приглашению Ильи Репина в этой студии одно время преподавал его ученик Александр Куренной, который позже возглавил рисовальную школу Тенишевой в Смоленске. И здесь, на выставке, есть несколько его работ. Например, портрет спящего Пауло Трубецкого – известного скульптора, гостившего у Тенишевой в Талашкине. Кстати, с другой стороны листа изображён всё тот же спящий Трубецкой, только в ином ракурсе.
– Особая красота рисунков – в том, что часто они похожи на некие дневниковые записи, где авторские эмоции, его восприятие мира выражены особенно ярко. Неудивительно, что часто художники не планировали их показывать – это были всего лишь наброски или этюды. Поэтому на обороте некоторых листов встречаются и другие работы. Так, представленный на нашей выставке пейзаж Борисова-Мусатова нарисован на обороте разрезанного эскиза к очень известной его работе, которая хранится в Русском музее, – «Автопортрет с сестрой».
С именем княгини Тенишевой связаны и петербургские художники братья Бенуа. Старший, Альберт, – блестящий акварелист. Большая часть его пейзажей была создана во время путешествий по России и Европе. Причём некоторые поездки были оплачены Тенишевой. Большинство акварелей Альберта Бенуа из своей коллекции княгиня передала Русскому музею, но кое-что из его творческого наследия досталось и нашей Художественной галерее.
Александр Бенуа учился мастерству у своего брата. Акварельная техника в его творчестве была основной, маслом он писал намного реже. На выставке представлены три его пейзажа, выполненных с натуры. Сам он, кстати, не раз подчёркивал необходимость работать с натуры, говорил о пленэрном этюде как основе творчества.
Портрет мальчика
Однако вернёмся к началу экспозиции. И здесь прежде всего привлекает внимание «Мальчик с поднятой рукой» Ореста Кипренского. Рисунок выполнен в сложной смешанной технике, где использованы карандаш, сангина, акварель и пастель.
– Это единственная работа Кипренского в нашем музее. Она нигде не опубликована, так что сейчас, можно сказать, уникальная возможность увидеть этот шедевр. Замечу, что Кипренский был не только великим живописцем, но и рисовальщиком того же уровня. «Мальчик с поднятой рукой» – жанризированный портрет. Рисунок сделан быстро, за один сеанс. Герой изображён в момент оживлённого разговора, и его состояние умело передано через выражение лица, глаза, точно найденный сюжет.
Богатое разнообразие эмоциональных состояний как раз и отличает рисунки Кипренского начала XIX века. Искусствоведы не раз отмечали, что именно ему русское искусство обязано рождением нового типа портрета, в котором человек запечатлён не ради парадного напоминания о внешнем облике или служебных достоинствах. Здесь на первое место выходит внимание к душевному миру человека любого сословия.
Рядом – работы Александра Осиповича Орловского и Петра Петровича Соколова. Кстати, последний не раз гостил в Ярцеве у Веры Александровны Хлудовой.
– У нас есть предположение, что эти работы – «Становой на тройке» и «Привал охотников» – скорее всего, были подарены автором гостеприимной хозяйке. Дело в том, что после революции они попали сначала в ярцевский музей, созданный на основе коллекции Хлудовой, а потом уже к нам. Соколов – тончайший акварелист, художник высокого мастерства, и нам очень повезло, что в наших фондах есть его работы. Тем более такие чудесные жанровые вещи.
Лирики реализма
Среди авторов представленных в экспозиции работ много громких имён. Шишкин, Айвазовский, Репин, Серов, Поленов, Лагорио, Кандинский… Но мне хотелось бы остановиться на трёх авторах – возможно, не самых известных сейчас, но безусловно заслуживающих внимание благодаря невероятной душевности и даже какой-то лирической пронзительности своих работ. Все три – мастера реалистического пейзажа начала прошлого века: Константин Крыжицкий, Константин Горбатов и Аполлинарий Васнецов.
– Крыжицкий в своё время был одним из крупнейших пейзажистов. Сейчас его имя, к сожалению, незаслуженно в тени. А ведь он был настоящим лириком русского пейзажа. Человек тонкий, чуткий, и это чувствуется в его работах. Мастерство этого художника ещё и в том, что он мог увидеть и передать не очевидную яркую красоту и буйство красок, а тонкость и лирику неброского пейзажа северной природы. В его работе «Залив», с одной стороны, высокий технический уровень, тщательность прорисовки натуры, а с другой – замечательное умение передать воздух, цвет, настроение. Это произведение Крыжицкого при всём его строгом реализме удивительно эмоционально.
Другой продолжатель линии саврасовского пейзажа – Константин Горбатов. В искусствоведческой литературе его справедливо называют мастером редкого колористического дарования. Обе его работы, представленные в экспозиции, показывают природу, оживающую в предчувствии весны. И, на мой взгляд, его «Весна» – это одно из самых ярких по эмоциональному восприятию произведений на этой выставке.
– Аполлинарий Васнецов не так известен, как его брат Виктор. Но это нисколько не умаляет достоинства его работ. Главной темой его творчества была старая Москва. В своих произведениях он буквально воскрешает её образы. Так, в работе «Старая Москва. Пороховая мельница у Яузского моста» мы видим столицу XVII века. Этому столетию художник придавал особое значение, считая тогдашнюю архитектуру высшим образцом русского стиля. Причём образ Москвы у Васнецова не только весьма достоверен, но и полон ретроспективной национальной романтики. Неслучайно эта работа экспонировалась на выставке передвижников и была высоко оценена зрителями и коллегами художника, о чём есть публикация в журнале «Мир искусств» за 1902 год.
Конечно, говорить об этой экспозиции можно ещё много. Здесь каждая работа заслуживает подробного описания. Кроме того, на выставке представлены практически все возможные техники оригинальной и печатной графики: карандаш, белила, сангина, акварель, офорт, литография, линогравюра и так далее. Но это как раз тот случай, когда лучше увидеть всё своими глазами. И даже, может быть, не один раз. Правда, стоит поспешить, потому что выставка будет работать всего месяц.
Фото: Смоленский государственный музей-заповедник
Ольга Суркова
